En mi viaje relámpago a la City, no tuve tiempo de visitar ningún museo, así que me tendré que conformar con visualizarlo por Internet, pero será visita obligada cuando haya ocasión, al igual que el Museo Británico que me muero de ganas de conocerlo.
Espero que este trabajo recopilatorio os resulte interesante, y en lo posible contribuya en su divulgación.
HISTORIA:
La National Gallery es el museo de arte de Londres, situado en la parte norte de Trafalgar Square. Exhibe pintura europea de 1250 a 1900, procedente de la colección nacional de arte del Reino Unido. La colección permanente, que consta de 2.300 pinturas, pertenece al Estado británico, por lo que la entrada es pública, sólo teniendo que pagarse la entrada a determinadas exposiciones especiales.
El origen de la National Gallery, está en la colección de un particular británico, John Julius Argenstein, que fue adquirida por el Estado en 1824. Ampliada con fondos de la colección real británica, se consideró necesario acondicionar un edificio para exponer las pinturas adecuadamente; de este modo, en 1838 se construyó el actual edificio, que alberga al completo la colección.
Fue conformada principalmente por sus primeros directores, incluido el pintor Sir Charles Lock Eastlake, y aumentada por donaciones privadas, que actualmente componen dos tercios de su colección permanente. Aunque de tamaño reducido, en comparación con otras pinacotecas como el Louvre.
La National Gallery destaca por exhibir obras maestras de toda la Historia de Arte occidental, haciendo posible admirar a través de su colección la evolución de los estilos pictóricos desde el comienzo del Renacimiento hasta el Postimpresionismo. La original National Gallery en el siglo XIX estaba basada primordialmente en arte italiano y neerlandés mientras que poco a poco fue aumentando sus obras de arte moderno.
El criterio museográfico es el de la exposición cronológica. Sus amplísimos fondos, que alcanzan facetas muy diversas del arte europeo desde el siglo XV, hacen que la National Gallery resulte equiparable a otros dos grandes museos de la pintura universal, el Louvre en París y el Prado en Madrid. Estos tres museos fueron fundados en fecha similar y responden a la misma inquietud enciclopédica que pretende repasar todos los estilos hasta el arte de su momento.
La National Gallery, abarca todos los períodos y estilos. Sólo dos salvedades deben hacerse: los retratos, que se contemplan en la vecina National Portrait Gallery, y los cuadros más recientes, que han pasado a la Tate Gallery, también en Londres.
La National Gallery ha sido alojada en tres edificios diferentes, cada uno de los cuales se vio con el tiempo inadecuado para los propósitos expositivos. El edificio actual fue comenzado por William Wilkins, y ha sido objeto de notables extensiones, cuyas obras principales estuvieron a cargo de Edward Middleton Barry y Robert Venturi. Desde 2002, el director de esta institución es Charles Saumarez Smith.
DIRECCIÓN:
National G., National Gallery de Londres
Dirección: Trafalgar Square, WC2
Ciudad: Londres
País: Reino Unido
Teléfono: (721) 457 21 34
Interior de la National Gallery desde su entrada principal.
Posiblemente las 12 Obras más importantes de la National Gallery
La Virgen de las Rocas, es un nombre usado para denominar dos cuadros de Leonardo da Vinci pintados con idéntica composición pictórica con óleo sobre madera. La versión del Louvre fue transferida a lienzo desde el panel original de madera, pero la de Londrés aún permanece sobre la tabla. Es bastante grande, de 200 x 120 cm.
En general se acepta que esta versión de La Virgen de las rocas es posterior a la del Louvre, pintada entre 1492 y 1508. La de Londres apunta a un estilo más maduro, pero se cree que posiblemente la pintó con la ayuda de otros artistas, quizá los hermanos Predis u otros pintores. La autenticidad de la versión de Londres en su integridad ha sido cuestionada por la geóloga Ann C. Pizzorusso, quien señala sus errores geológicos, a diferencia de la versión del Louvre, implicando que es improbable que provenga de la mano de Leonardo.
Esta segunda versión sería la que se instaló en San Francesco Grande con las alas realizadas por los hermanos De Predis. Allí estuvo hasta la disolución de la Confraternidad en 1781. Fue adquirida en 1785 por el pintor Gavin Hamilton por 112 cequíes de Roma, siendo robada de Florencia durante las guerras napoleónicas y recuperada, unos 50 años después, en una pequeña ciudad de Austria. Desde entonces, fue adquirida por un comerciante francés antes de ser vendida a la National Gallery de Londres en 1880 y donde se conserva hoy junto con las dos tablas de De Predis.
En junio de 2005, la imagen infrarroja, al parecer reveló la existencia de un cuadro previo debajo del actual. Se cree que representa a una mujer arrodillada sosteniendo a un niño con una mano. Algunos investigadores creen que la intención original del artista era pintar una Adoración del Niño Jesús.
Leer más: http://es.wikipedia.org/wiki/La_Virgen_de_las_Rocas
El Cristo en casa de Marta y María. es un cuadro de Velázquez, realizados en su etapa sevillana, hacia 1619. Actualmente se encuentra en la National Gallery de Londres. El cuadro presenta a una joven que se encuentra trabajando en la cocina y que delante de ella tiene una mesa llena de comida y animales, (unos ajos que posiblemente es lo que está machacando, unos huevos y unos pescados). Sin duda se encuentra cocinando algo. Junto a ella una mujer mayor se acerca y parece que quiere señalarle algo con el dedo índice de la mano derecha. Al fondo, como si fuera un cuadro dentro del cuadro aparece una escena religiosa que da el título al cuadro ya que aparece la figura de Jesucristo hablando con una mujer mientras se acerca a ellos una mujer mayor.
La escena describe un episodio del evangelio de San Lucas, según el cual Jesús paró en casa de una mujer de nombre Marta y mientras esta se afanaba por realizar la comida, su hermana, María, no dejaba de escuchar a Jesús y no ayudaba a su hermana. Marta se lo recriminó y Jesús le contestó que su hermana María había escogido la mejor parte que era escucharle a él mientras Marta estaba inquieta y preocupada por la cantidad de cosas que tenía que hacer.
Parece pues que en el cuadro la mujer vieja sirve de enlace entre las dos escenas, por un lado ve como María se encuentra escuchando a Jesús y por otro lado advierte a Marta de que su hermana no le está ayudando nada en la preparación de la comida.
Este tipo de escenas conectadas ya las había realizado con anterioridad Velázquez, ya que en el cuadro La mulata una sirvienta habría ido a la cocina para buscar algo de lo que está sirviendo en la mesa, esa mesa, que aparece en la escena del fondo representa a Jesucristo con los discípulos de Emaús. Como en todos estos cuadros de primera época es muy destacable la calidad de los objetos que aparecen en el cuadro, todo lo metálico, cerámico o cristal, incluso los alimentos que aparecen en la mesa, están realizados con un detallismo y una calidad fotográfica excelentes.
La Venus del Espejo. Ess un cuadro de Velázquez (1599-1660), el pintor más destacado del Siglo de Oro español. Actualmente se encuentra en la National Gallery de Londres, donde se la exhibe como The Toilet of Venus o The Rokeby Venus. El sobrenombre «Rokeby» proviene de que durante todo el siglo XIX estaba en el Rokeby Hall de Yorkshire. Anteriormente perteneció a la Casa de Alba y a Godoy, época en la que seguramente se conservaba en el Palacio de Buenavista de Madrid.
La obra representa a la diosa Venus en una pose erótica, tumbada sobre una cama y mirando a un espejo que sostiene el dios del amor sensual, su hijo Cupido. Se trata de un tema mitológico al que Velázquez, como es usual en él, da trato mundano. No trata a la figura como a una diosa sino, simplemente, como a una mujer. Esta vez, sin embargo, prescinde del toque irónico que emplea con Baco, Marte o Vulcano...
Leer más: http://es.wikipedia.org/wiki/Venus_del_espejo
Santa Margarita, es un lienzo de Francisco de Zurbarán conservado en la National Gallery de Londres. Aunque los ojos y los rasgos del rostro hicieron pensar a algunos críticos que se trataba de la misma modelo que se utilizó para pintar a Santa Águeda. Zurbarán representa a Santa Margarita con los trazos de una elegante pastora. El bastón que sostiene en la mano, que podría pasar por un báculo de no estar terminado por un gancho, la presencia inquietante de un dragón, a la izquierda, nos inducen a pensar que se trata de una tragedia.
«Esta bella pastora, con una postura muy afectada, parece salida de una escena teatral.
En efecto, en muchas de las procesiones o de los autos sacramentales llevados a cabo durante la semana del Corpus Christi, algunos historiadores hacen aparecer a esta santa, así como en las comedias de las Santas representadas en las corralas de Sevilla, y, tal vez, Zurbarán se inspirara en estas imágenes. Las heroínas son, siempre, muy jóvenes y hermosas, como la Santa Juana de Tirso de Molina, o la Santa Margarita de Enciso.
El Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa, es un cuadro del pintor flamenco Jan van Eyck; fechado en 1434, representa al rico mercader Giovanni Arnolfini y a su esposa Jeanne Cenami, que se establecieron y prosperaron en la ciudad de Brujas (hoy Bélgica), entre 1420 y 1472. Al día de hoy, los historiadores del arte discuten exactamente la imagen que el cuadro presenta; la tesis durante mucho tiempo dominante, introducida por Erwin Panofsky en un ensayo de 1934, sostiene que la imagen corresponde al matrimonio de ambos, celebrado en secreto y atestiguado por el pintor. Sin embargo, muchas otras interpretaciones se han propuesto acerca del mismo, y el consenso actual es que la teoría de Panofsky es difícilmente sostenible.
El bautismo de Cristo, es uno de los cuadros más conocidos del pintor Italiano Piero della Francesca. Está realizado al temple al huevo sobre tabla. Mide 167 cm de alto y 116 cm de ancho. Fue pintado hacia 1450, encontrándose actualmente en la National Gallery de Londres, Reino Unido.
Está constituido por dos grandes planchas de álamo al veteado vertical, con las proporciones del rectángulo de oro. El eje medio genera una partición calculada, aunque no simétrica. El árbol a la izquierda que divide el cuadro en proporción áurea, tiene más valor como cesura que el grupo central. Es la parte central de un tríptico, destinado al altar central de la Iglesia de San Juan en Borgo San Sepolcro. Las otras partes del retablo se conservan hoy en la catedral, obra de Matteo di Giovanni. sta es una de las obras tempranas más famosas de su autor.
Los Embajadores —el cuadro se llama en realidad Jean de Dinteville y Georges de Selve— es una pintura de Hans Holbein el Joven, actualmente en la National Gallery de Londres. Es una de las obras maestras del pintor y de la pintura en general.
Triplemente importante por sus resonancias históricas, por su riqueza simbólica y por su excelencia plástica, incluye un raro objeto en primer plano que fue algo misterioso durante mucho tiempo. Fue en el siglo XX cuando un historiador del arte, Jurgis Baltrusaitis, descubrió que esta forma que ocupa el primer plano de la pintura es lo que se llama frecuentemente hueso de sepia, siendo de hecho una anamorfosis de un cráneo humano: esta pintura es una vanidad.
Este retrato de El sastre, es uno de los cuadros más conocidos del pintor italiano Giovanni Battista Moroni. Está realizado sobre lienzo. Mide 97 cm de alto y 74 cm de ancho. Fue pintado entre 1570 y 1575, encontrándose actualmente en la National Gallery de Londres, Reino Unido. Los retratos fueron la especialidad de Giovanni Battista Moroni, muy influidos por la obra de su maestro, Moretto da Brescia, así como la de Tiziano y Lorenzo Lotto. Retrató a nobles de provincias pero también, como en este caso, a un artesano, un sastre de la familia Fenaroli, en una imagen cotidiana. Tiene una honda capacidad de penetración psicológica.
La carreta del mercado (en inglés, The Market Cart), es uno de los cuadros más conocidos del pintor británico Thomas Gainsborough. Está realizado en óleo sobre lienzo. Mide 184 cm de alto y 153 cm de ancho. Fue pintado en 1786, encontrándose actualmente en la National Gallery de Londres, Reino Unido.
Gainsborough es célebre por sus retratos y por sus paisajes, evidenciándose en esta obra su interés por el paisaje, anticipándose al tratamiento del tema por John Constable. Es uno de los últimos paisajes de Gainsborough. Se mostró al público en primer lugar en casa del artista en Pall Mall en 1786, el mismo año en que se pintó. Gainsborough añadió la figura de un leñador cogiendo un haz de leña al año siguiente.
La carreta del mercado se muestra llena de productos frescos. A la derecha hay un leñador, uno de los temas favoritos de las pinturas de Gainsborough, pero es la grandeza de los árboles la que domina la composición.
Lluvia, vapor y velocidad. El gran ferrocarril del Oeste (en inglés, Rain, Steam, and Speed – The Great Western Railway) es un conocido cuadro del pintor romántico británico Joseph Mallord William Turner.
Se trata de un óleo sobre tela que mide 91 centímetros de alto por 121,8 centímetros de ancho. Actualmente se conserva en la National Gallery de Londres (Reino Unido). Esta pintura fue exhibida por vez primera en la Royal Academy en 1844, aunque pudo haber sido pintada con anterioridad. La fecha es significativa porque los ferrocarriles eran aún algo nuevo. A diferencia de otros pintores de la época, que despreciaban la industrialización y no veían en el progreso industrial temas merecedores de tratamiento pictórico, Turner admiraba la técnica moderna y por ello pinta la locomotora más moderna de su género y el entonces vanguardista puente de Maidenhead.
La vendedora de camarones (en inglés, The Shrimp Girl), es uno de los cuadros más conocidos del pintor británico William Hogarth. Está realizado en óleo sobre lienzo. Mide 63,5 cm de alto y 52,5 cm de ancho. Fue pintado entre 1740 y 1750, encontrándose actualmente en la National Gallery de Londres, Reino Unido. A veces es citada como La vendedora de quisquillas, según la traducción que se dé al término shrimp.
Además de sus ciclos narrativos sobre costumbres de la época, Hogarth destacó como retratista, como puede verse en este, uno de sus mejores retratos, realizado en la parte final de su carrera. Se trata de una composición improvisada, ágil, en la que con espontaneidad se refleja lo observado por el pintor.
La silla de Van Gogh. 1888. Óleo sobre lienzo. 93 x 73.5 cm. Esta pintura nació junto con otra que representa la "Silla de Gauguin" durante su estancia en Arlés, cuando la idea del "estudio del sur" parecía realizable. Van Gogh, en vez de representar a su amigo, optó por mostrar su sitio vacío, e hizo otro tanto consigo mismo.
Para su silla Vincent escogió un colorido luminoso y delicado, centrado en tres tonos, el anaranjado de las baldosas del pavimento, el amarillo de la silla y el turquesa de las paredes. La silla, colocada en diagonal, se ve en primer plano, como si fuese un retrato a todos los efectos. El artista es sustituido por dos objetos: la inseparable pipa con el tabaco y en una cesta que está en el suelo varios girasoles, debajo de ellos resalta la firma del pintor, que se compone sólo del nombre de pila.
El cuadro, lleno de la presencia de su autor, trasmite una impresión de gran serenidad. Vincent atravesaba una época de relativa alegría, nada hacía presagiar el trágico epílogo de la oreja cortada, que determinaría el hundimiento de sus sueños de una vida artística compartida.
Contribución española
Velázquez. Felipe IV. 1635. National Gallery de Londres.
Velázquez. San Juan en Patmos, c. 1618. Óleo sobre lienzo, 135,5 × 102,2 cm. National Gallery de Londres.
Velázquez. La Inmaculada Concepción, c. 1618. Óleo sobre lienzo, 135,5 × 101,6 cm. National Gallery de Londres.
Velázquez. Cristo después de la flagelación contemplado por almas cristianas. Hacia 1626-1632. Óleo sobre lienzo. 165,1 × 206,4 cm. National Gallery de Londres.
Autorretrato de Murillo. hacia 1670, óleo sobre lienzo, 122 x 107 cm, Londres, National Gallery. Inscripción: Bartus Murillo seipsum depin/gens pro filiorum votis acpreci/bus explendis. En este cuadro, pintado por deseo de sus hijos, Murillo se autorretrató dentro de un marco ovalado con molduras, apoyando en él una mano para reforzar el efecto naturalista del trampantojo y acompañado por algunos instrumentos propios de su profesión, en una demostración de orgullo social por la posición alcanzada con su oficio solo comparable en la pintura española al autorretrato de Velázquez en Las meninas.
Murillo - Niño apoyado en un antepecho. 1675-1680. National Gallery de Londres.
Murillo - The Heavenly and Earthly Trinities (Las dos Trinidades) (1675-82). National Gallery de Londres.
Murillo - La curación del paralítico en la piscina probática, 1679. Londres, National Gallery.
El Greco - La Oración del huerto. 1590. La Oración del huerto. National Gallery de Londres.
El Greco - La purificación del templo (1600). National Gallery de Londres.
Pedro Berruguete. La Retórica o La Música. National Gallery de Londres.
Francisco de Goya - Retrato de Isabel Porcel (1805). National Gallery de Londres.
Francisco Goya - La lámpara del diablo. 1797-98. National Gallery de Londres.
Francisco de Zurbarán - San Francisco meditando (1639) Marta y Maria (1618). National Gallery de Londres.
Juan Valdés Leal - La Inmaculada Concepción con dos donantes. 1661. National Gallery de Londres.
Picasso - El niño con la paloma. 1901. National Gallery de Londres.
La resurrección de Lázaro, obra maestra de Sebastiano del Piombo. The National Gallery. Londres.
Virgen con el Niño, Santa Ana y San Juan Bautista. También conocido como "Cartón de Burlington House". 1505. Tiza. 139 x 101 cm. The National Gallery. Londres. Leonardo da Vinci
Descenso en el sepulcro. 1511 h. Óeo sobre tabla, 159 x 149 cm. Obra de Miguel Ángel. National Gallery de Londres. Las modificaciones y los añadidos al óleo que aparecen en esta tabla impiden atribuirla con absoluta certeza a Miguel Ángel, considerándose que podría ser un trabajo de un discípulo - apuntándose a un tal Carlo - bajo la atenta mirada del maestro. La composición está inspirada en Mantegna, continuando con el empleo de figuras escultóricas, de gran potencia anatómica, muy del gusto de ambos artistas. Las figuras ocupan la mayor superficie del espacio, quedando una diminuta franja al fondo para el paisaje donde observamos las montañas transparentes que aparecen en las obras de Leonardo y Rafael. La ausencia de tensión y la poco acertada ubicación de los personajes, junto a la mala conservación, hacen de esta obra un ejemplo de los orígenes pictóricos de Buonarroti, más interesado por la escultura que por la pintura a pesar de su aprendizaje en el taller de Ghirlandaio.
Rafael. Crucifixión Mond o Crucifixión Gavari. 1502-1503. Óleo sobre tabla. 280,7 x 165,1 cm. The National Gallery. Londres.
Rafael. El sueño del caballero. 1504. The National Gallery. Londres.
Rafael. Retrato del papa Julio II. 1511. The National Gallery. Londres.
Raphael, The Madonna of the Pinks, c. 1506–07. The National Gallery. Londres.
Rafael. The Virgin and Child with the Infant Baptist. 1509-1511. Óleo sobre tabla. 39 x 33 cm. The National Gallery. Londres.
Rafael. Santa Catalina de Alejandría. 1507-08. The National Gallery. Londres. The National Gallery. Londres.
Rembrandt. El festín de Baltasar. Aprox. 1636. The National Gallery. Londres.
Rembrandt. Mujer joven bañándose en un arroyo. 1654. The National Gallery. Londres.
Rembrandt. Retrato de Saskia en atuendo arcádico. 1635. The National Gallery. Londres.
Tiziano. Alegoría del tiempo gobernado por la prudencia. 1565. Óleo sobre lienzo. 75,6 x 68,6 cm. The National Gallery. Londres. The National Gallery. Londres.
Tiziano. Baco y Ariadna. 1520-1522. Óleo sobre lienzo. 175 x 190 cm. The National Gallery. Londres. The National Gallery. Londres.
Tiziano. Noli Me Tangere. 1511. The National Gallery. Londres.
Tiziano. Retrato de la familia Vendramin. 1543 - 1547. Óleo sobre lienzo. 206 x 301 cm. The National Gallery. Londres.
Botticelli. Venus y Marte. 1485. The National Gallery. Londres.
Botticelli. Adoración de los Magos. 1481-1482. Tabla. 70 x 103 cm. The National Gallery. Londres
Botticelli. Botticelli. Juventud y primer milagro de San Zenobio. The National Gallery. Londres.
Botticelli. Natividad Mística. 1500. The National Gallery. Londres.
Botticelli. Retrato de una dama (Esmeralda Brandini). 1470-75. The National Gallery. Londres.
Rubens. El juicio de Paris. 1632-35. The National Gallery. Londres.
Rubens. El sombrero de paja. 1625. The National Gallery. Londres.
Rubens, Sansón y Dalila (1609-10). The National Gallery. Londres.
Vermeer. Lady Standing at the Virginals. 1673-75. Óleo sobre lienzo. The National Gallery. Londres.
Vermeer. Mujer sentada ante clavicémbalo. 1673-75. Óleo sobre lienzo. The National Gallery. Londres.
Van Dyck. Retrato ecuestre de Carlos I de Inglaterra. 1636. Óleo sobre lienzo. 365 x 289 cm. The National Gallery. Londres.
Van Dyck. San Ambrosio y el emperador Teodosio. The National Gallery. Londres.
Van Dyck. El Hombre del Turbante. 1433. Dicen que es un autorretrato. The National Gallery. Londres.
Caravaggio. La Cena de Emaús. 1601. The National Gallery. Londres.
Caravaggio. Salomé con la cabeza del Bautista. 1607. The National Gallery. Londres.
Bronzino. Alegoría del triunfo de Venus (1540-1550). The National Gallery. Londres.
David Teniers el Joven - Peasants at Archery (1645). The National Gallery. Londres.
Philippe de Champaigne - Retrato del Cardenal Richelieu (1633-40). The National Gallery. Londres.
Claude Lorrain -Puerto con el embarque de Santa Úrsula (1641). The National Gallery. Londres.
Nicolas Poussin - Bacanal (1632-33). The National Gallery. Londres.
Pierre-Auguste Renoir - El paraguas 3 (1881-86). The National Gallery. Londres.
Giovanni Bellini - El dux Leonardo Loredan (1501-04). The National Gallery. Londres.
Giovanni Battista Tiepolo - An Allegory with Venus and Time (1754-58). The National Gallery. Londres.
Tintoretto - The Origin of the Milky Way (1575). The National Gallery. Londres.
Paolo Uccello - Batalla de San Romano (1438-40). The National Gallery. Londres.
Paolo Veronese - La familia de Darío ante Alejandro (1565-70). The National Gallery. Londres.
Aelbert Cuyp -Ganado con jinete y campesinas (1658-60). The National Gallery. Londres.
Meindert Hobbema - La avenida de Middelharnis (1689). The National Gallery. Londres.
Pieter de Hooch - Patio de una casa de Delft (1658). The National Gallery. Londres.
Jan Steen - Skittle Players outside an Inn (1660-63). The National Gallery. Londres.
Turner. El Temerario remolcado a dique seco (1838). The National Gallery. Londres.
John Constable - La carreta de heno (1821). The National Gallery. Londres.
William Hogarth - Marriage à-la-mode (1743). The National Gallery. Londres.
Thomas Gainsborough - El Señor y la Señora Andrews (1750). The National Gallery. Londres.
Van Gogh - Jarrón con tres girasoles (1888). The National Gallery. Londres.
El origen de la National Gallery of London
National Gallery de Londres. El origen de la National Gallery of London está en la colección de un particular británico, John Julius Argenstein, que fue adquirida por el Estado en 1824. Ampliada con fondos de la colección real británica, se consideró necesario acondicionar un edificio para exponer las pinturas adecuadamente; de este modo, en 1838 se construyó el actual edificio, que alberga al completo la colección. Su estilo es neoclásico, dentro de una concepción racionalista que se adaptara a las funciones expositivas para las cuales fue concebido. Sin embargo, las sucesivas adquisiciones con las que el fondo inicial se ha ido enriqueciendo provocaron varias ampliaciones de sus alas, de las cuales destaca la ampliación de 1975, la primera de todas, y la de 1991, la última, en la cual se creó de nueva planta el ala Sainsbury, dedicada en exclusiva a la colección de pintores del primer Renacimiento: la colección posee el mayor depósito de pintura italiana fuera de Italia. Este grupo se empezó a reunir durante la gestión del primer director de la galería, sir Charles Eastlake, quien viajó por la península mediterránea entre 1855 y 1865 para comprar y reunir las obras de mejor calidad. El siguiente núcleo destacable es el de la pintura flamenca, que se debe al impulso de la reina Victoria, quien donó gran parte de su colección personal.
La National Gallery londinense, abarca todos los períodos y estilos. Sólo dos salvedades deben hacerse: los retratos, que se contemplan en la vecina National Portrait Gallery, y los cuadros más recientes, que han pasado a la Tate Gallery, también en Londres. El criterio museográfico es el de la exposición cronológica. Sus amplísimos fondos, que alcanzan facetas muy diversas del arte europeo desde el siglo XV, hacen que la National Gallery resulte equiparable a otros dos grandes museos de la pintura universal, el Louvre en París y el Prado en Madrid. Estos tres museos fueron fundados en fecha similar y responden a la misma inquietud enciclopédica que pretende repasar todos los estilos hasta el arte de su momento.
Enlaces interesantes:
Página oficial de la National Gallery: http://www.nationalgallery.org.uk/
Más obras en la Wipedia
https://es.wikipedia.org/wiki/Anexo:Col ... de_Londres
https://commons.wikimedia.org/wiki/Nati ... ry,_London
Fachada de la National Gallery desde Trafalgar Square. Londres.
PUES ESTO ES TODO AMIGOS, ESPERO QUE HAYÁIS DISFRUTADO EL TRABAJO RECOPILATORIO DE LA NATIONAL GALLERY LONDINENSE, SIN LUGAR A DUDAS ES UNO DE LOS GRANDE MUSEO DEL MUNDO.