Fachada del Kunsthistorisches Museum (Viena, Austria). El término Kunsthistorisches Museum se aplica tanto a la institución como a su edificio principal.
El Kunsthistorisches Museum de Viena se inauguró en 1891 al mismo tiempo que el Naturhistorisches Museum por el emperador Francisco José I de Austria-Hungría. Los dos museos tienen exteriores idénticos y están uno frente a otro flanqueando la Plaza de María Teresa. Ambos edificios fueron erigidos entre 1872 y 1891 de acuerdo a los planos diseñados por Gottfried Semper y Karl Freiherr von Hasenauer.
Kunsthistorisches Museum Vienna Numismatik
Los dos museos de la Ringstraße fueron encargados por el Emperador para dar un alojamiento adecuado a la formidable colección de arte de los Habsburgo y hacerla accesible al gran público. La fachada se edificó de piedra arenisca. Tiene planta rectangular, y acaba en una cúpula de 60 metros de alto. Está coronado por una estatua colosal de Palas Atenea. El interior del edificio está lujosamente decorado con mármol, ornamentación de estuco, pan de oro, y pinturas, haciendo de él una obra de arte por sí mismo.
El Kunsthistorisches Museum alberga la mejor colección mundial de Rubens y su círculo, junto con la del Museo del Prado, así como varios retratos esenciales de Velázquez, que fueron remitidos por Felipe IV de España debido a los lazos de parentesco que unían ambas cortes. El grupo de pinturas de Brueghel el Viejo supone alrededor de un tercio de toda su producción.
Durero. La adoración de la Santísima Trinidad. 1511. Óleo sobre tabla de chopo. 135 x 123 cm. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria
Velázquez. La Infanta Margarita en azul. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria
Arcimboldo. Verano, 1563. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria
La colección del Kunsthistorisches Museum de Viena. Las tres plantas del museo albergan variadas colecciones: arqueología, escultura, artes aplicadas, armas, numismática y medallística. Las galerías de pintura se hallan en la planta noble y el segundo piso, éste último dedicado a maestros menores.
Rafael. Virgen del prado. Temple y óleo sobre madera, 113 × 88 cm. Kunsthistorisches Museum de Viena
Tintoretto. Susana en el baño. 1557. Óleo sobre lienzo. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria
Brueghel el Viejo. La construcción de la torre de Babel. 1563. Óleo sobre tabla. 114 x 155 cm. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria
Los fondos del museo provienen principalmente de la rama austríaca de los Habsburgo: Maximiliano I coleccionó a artistas como Durero; Fernando del Tirol se dedicó a retratos y armaduras; el emperador Rodolfo II añadió más obras de Durero, Correggio y Brueghel el Viejo, aunque la mayor parte de su amplísima colección está dispersa; y, finalmente, la de pinturas que hizo Fernando III a instancias del Archiduque Leopoldo Guillermo (1614-1662).
El Bosco. Cristo con la cruz a cuesta. 1500. Óleo sobre tabla. 57,5 x 32 cm. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria
Van der Weyden. Tríptico de la Crucifixión. Panel central. 1440. Oak, 101 x 70 cm. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria
Asociados al Museo de Viena, y oficialmente parte del Kunsthistorisches Museum, son las colecciones del Palacio Imperial de Hofburg. Incluyen:
- Hofjagd- und Rüstkammer (Tesoro imperial de Caza y Armería, la colección de armas y armaduras);
- Sammlung alter Musikinstrumente (colección de instrumentos musicales antiguos);
- Museum für Völkerkunde (Museo de Etnología, asociado en 2001);
- Ephesos-Museum (Museo de Éfeso);
- Schatzkammer o Tesoro Imperial, más abajo ofrecemos más información;
- Lipizzaner-Museum en el Stallburg;
- Museo del teatro Austríaco y el
- Wagenburg und Monturdepot (El Museo de Carrozas Imperiales y Departamento de Uniformes de Corte), en un edificio auxiliar en el Palacio de Schonbrunn.
También una oficina secundaria se encuentra en Innsbruck. En conjunto, la colección es una de las más amplias e importantes del mundo.
Entre las obras principales de su galería de pinturas están:
- Van der Weyden: Tríptico del Calvario o Tríptico de la Crucifixión, h. 1440
- Jan van Eyck: El cardenal Nicolás Albergati ("Kardinal Niccoló Albergati"), 1438
- El Bosco: Cristo con la cruz a cuestas o Camino del Calvario y El juicio final
- Alberto Durero: Retrato de una joven veneciana (Porträt einer Venezianerin), 1505; Adoración de la Trinidad (Anbetung der heiligen Dreifaltigkeit), 1511 y Maximiliano I, 1519
- Rafael Sanzio: Virgen del prado (Madonna im Grünen), 1506
- Giovanni Bellini: Mujer peinándose, 1515
- Correggio: Júpiter e Ío, 1531
- Tintoretto: Susana y los viejos, 1555-56
- Pieter Brueghel el Viejo: El combate entre don Carnal y doña Cuaresma (Kampf zwischen Fasching und Fasten), 1559; Los juegos de niños (Kinderspiele), 1560; El suicidio de Saúl, 1562; La torre de Babel (Turmbau zu Babel), 1563; Subida al Calvario (Kreuztragung Christi), 1564; La vuelta de los rebaños (octubre-noviembre)" (Heimkehr der Herde (Otoño)), 1565; Los cazadores en la nieve (diciembre-enero)" (Jäger im Schnee (Invierno), 1565; El proverbio del buscador de nidos (Bauer und Vogeldieb), 1568; La comida de boda (Bauernhochzeit), 1568-69 y Danza de aldeanos (Bauerntanz), 1568-69
- Arcimboldo: El verano (Sommer), 1563
- Caravaggio: Virgen del Rosario (Die Rosenkranzmadonna) 1606-07; La coronación con espinas y David con la cabeza de Goliat
- Rubens: El lamento de Cristo, 1614; Tríptico de san Ildefonso (Der Altar des hl. Ildefonso), 1630-32 y La pequeña pelliza (Das Pelzchen), 1638
- Velázquez: El príncipe Felipe Próspero, 1659 y La infanta María Teresa de España o retrato de la infanta María Teresa a los catorce años, 1652
- Vermeer: El pintor en su taller o Alegoría de la pintura (Die Malkunst), 1665-66
- Benvenuto Cellini. El salero de Fernando I. Los ricos materiales son el ébano, el oro y el esmalte y mide unos 26 cm. 1540
Correggio (Antonio Allegri) - Júpiter e Io. 1531. Óleo sobre lienzo. 163,5 x 70,5 cm. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria
Caravaggio. David con la cabeza de Goliath. 1607. Óleo sobre lienzo. 90,5 x 116,5 cm. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria
Rubens. Milagros de San Ignacio de Loyola. 1617. Óleo sobre lienzo. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria
Giovanni Bellini. Muchacha peinándose. 1515. Óleo sobre tabla. 62 x 79 cm. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria
Vermeer. Alegoría de la pintura. También conocida como "Taller del artista". 1662-1665. Óleo sobre lienzo. 120 x 110 cm. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria
Benvenuto Cellini. El salero de Fernando I. 1540. Oro, ébano y el esmalte de 26 cm. El Salero de Cellini es una escultura de mesa obra de Benvenuto Cellini que se conserva en el Kunsthistorisches de Viena. Este salero es la única obra de oro conocida que puede atribuirse con certeza a Cellini y a veces se habla de él como la «Mona Lisa de la escultura». Fue creado en un estilo renacentista tardío y representa alegóricamente la Terra e Mare en las propias palabras de Cellini en su Autobiografía, alegóricamente en las figuras de Neptuno, dios del mar y Ceres, diosa de la tierra, simbolizando su unión al producir sal procedente de la tierra.
Curiosidades. Una de las más importantes esculturas del museo, el Salero de Francisco I de Francia de Benvenuto Cellini, fue robada el 11 de mayo de 2003 y recuperada el 21 de enero de 2006, en una caja enterrada en un bosque cerca de la ciudad de Zwettl, Austria. Había sido el robo de arte más importante de la historia de Austria.
Entrada Kunsthistorisches Museum, Viena
El Museo Kunsthistorisches aparece en considerable detalle en la misión final del juego de ordenador Mafia: The City of Lost Heaven, desarrollado por Illusion Softworks.
Una selección de obras del museo, formada por unas 73 pinturas y más de un centenar de objetos diversos, se expuso temporalmente en el Museo Guggenheim de Bilbao en 2008.
Espero que este trabajo recopilatorio de este gran museo austriaco, sea de vuestro interés y contribuya en la divulgación de las obras que alberga.
Algunas obras del Kunsthistorisches Museum de Viena
Kunsthistorisches Museum, Viena
Las tres plantas del museo albergan variadas colecciones: arqueología, escultura, artes aplicadas, armas, numismática y medallística. Las galerías de pintura se hallan en la planta noble y el segundo piso, éste último dedicado a maestros menores.
Los fondos del museo provienen principalmente de la rama austríaca de los Habsburgo: Maximiliano I coleccionó a artistas como Durero; Fernando del Tirol se dedicó a retratos y armaduras; el emperador Rodolfo II añadió más obras de Durero, Correggio y Brueghel el Viejo, aunque la mayor parte de su amplísima colección está dispersa; y, finalmente, la de pinturas que hizo Fernando III a instancias del Archiduque Leopoldo Guillermo (1614-1662).
Asociados al museo de Viena, y oficialmente parte del Kunsthistorisches Museum, son las colecciones del Palacio Imperial de Hofburg.
Sección del Hofburg Neue Burg visto desde la Plaza de los Héroes o Heldenplatz.
El Palacio Imperial de Hofburg es el castillo más grande de la ciudad de Viena. Fue la residencia de la mayor parte de la nobleza de la historia Austriaca, especialmente de la dinastía de los Habsburgo (durante más de 600 años), y de los emperadores de Austria y de Austria-Hungría. Es, actualmente, (después del siglo XX) la residencia del presidente de la República austriaca
Carlos VI, en una escultura en la Biblioteca Nacional Austriaca, en Hofburg.
El Hofburg, es conocido, asimismo, como residencia de invierno, dado que el lugar de veraneo preferido por la familia imperial es el Palacio de Schönbrunn. Es uno de los lugares turísticos más visitados de Austria. El palacio alberga el museo de Sissi y los salones imperiales. El palacio cuenta con 2.600 estancias, repartidas en 18 alas. Está situado en la parte antigua de la ciudad, en el primer distrito, en los márgenes del Danubio.
Las Joyas de la Corona Austriaca. Palacio Imperial de Hofburg
El Kunsthistorisches Museum también incluyen:
- Hofjagd- und Rüstkammer (Tesoro imperial de Caza y Armería, la colección de armas y armaduras);
- Sammlung alter Musikinstrumente (colección de instrumentos musicales antiguos);
- Museum für Völkerkunde (Museo de Etnología, asociado en 2001);
- Ephesos-Museum (Museo de Éfeso);
Salón de Ceremonias del Palacio Imperial de Hofburg
- Schatzkammer (Tesoro Imperial);
- Lipizzaner-Museum en el Stallburg;
- Museo del teatro Austríaco;
- Una oficina secundaria se encuentra en Innsbruck. En conjunto, la colección es una de las más amplias e importantes del mundo y el
- Wagenburg und Monturdepot (El Museo de Carrozas Imperiales y Departamento de Uniformes de Corte), en un edificio auxiliar en el Palacio de Schonbrunn .
Palacio de Schonbrunn. También conocido como el Versalles vienés, es uno de los principales edificios históricos y culturales de Austria, desde el siglo XIX ha sido una de las principales atracciones turísticas de la ciudad de Viena y ha aparecido en postales, documentales y diversos filmes cinematográficos.
Entre las obras principales del Kunsthistorisches Museum, se encuentran:
- Van der Weyden: Tríptico del Calvario o Tríptico de la Crucifixión, h. 1440
- Van Eyck: El cardenal Nicolás Albergati ("Kardinal Niccoló Albergati"), 1438
- Rafael Sanzio: Virgen del prado (Madonna im Grünen), 1506
- Giovanni Bellini: Mujer peinándose, 1515
- Correggio: Júpiter e Ío, 1531
- Tintoretto: Susana y los viejos, 1555-56
- Arcimboldo: El verano (Sommer), 1563
- Vermeer: El pintor en su taller (Die Malkunst), 1665/66
- El Bosco:
. Cristo con la cruz a cuestas o Camino del Calvario
. El juicio final
- Alberto Durero:
. Retrato de una joven veneciana (Porträt einer Venezianerin), 1505
. Adoración de la Trinidad (Anbetung der heiligen Dreifaltigkeit), 1511
. Maximiliano I, 1519
-Brueghel el Viejo:
. El suicidio de Saúl, 1562
. El combate entre don Carnal y doña Cuaresma (Kampf zwischen Fasching und Fasten), 1559
. Los juegos de niños (Kinderspiele), 1560
. Subida al Calvario (Kreuztragung Christi), 1564
. La vuelta de los rebaños (octubre-noviembre)" (Heimkehr der Herde (Otoño)), 1565
. Los cazadores en la nieve (diciembre-enero)" (Jäger im Schnee (Invierno)), 1565
. El proverbio del buscador de nidos (Bauer und Vogeldieb), 1568
. La comida de boda (Bauernhochzeit), 1568/69
. Danza de aldeanos (Bauerntanz), 1568/69
. La torre de Babel (Turmbau zu Babel), 1563
- Caravaggio:
. Virgen del Rosario (Die Rosenkranzmadonna) 1606/07
. La coronación con espinas
. David con la cabeza de Goliat
- Rubens:
. El lamento de Cristo, 1614
. Tríptico de san Ildefonso (Der Altar des hl. Ildefonso), 1630-32
. La pequeña pelliza (Das Pelzchen), 1638
- Velázquez:
. El príncipe Felipe Próspero, 1659
. La infanta María Teresa de España o retrato de la infanta María Teresa a los catorce años, 1652.
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Obras
Rafael. Virgen del prado. Temple y óleo sobre madera, 113 × 88 cm. Kunsthistorisches Museum de Viena. Esta Virgen con el Niño y San Juan, conocida como la Virgen del prado (en italiano Madonna del prato) es una pintura del artista renacentista italiano Rafael Sanzio, que data de 1505-1506. Está realizada al temple y al óleo sobre madera con unas dimensiones de 113 centímetros de alto y 88 cm. de ancho. Se conserva en el Museo Kunsthistorisches de Viena, Austria.
Sobre la orla del vestido de la Virgen consta la fecha: 1506. Rafael la realizó para la capilla de los Novicios de San Marco. Es una de las Vírgenes con el Niño Jesús y san Juanito, en un paisaje abierto, realizadas por Rafael en sus años florentinos. En esa época Rafael pudo estudiar de cerca la obra de Miguel Ángel y de Leonardo. La escena de la Virgen con Niño acompañados por san Juanito fue muy frecuente en la pintura italiana del siglo XV. La tipología de Virgen que desarrolló Rafael en estos cuadros tuvo posteriormente mucho éxito.
La composición está muy estudiada. Las figuras forman un triángulo isósceles, cuya cúspide ocupa la cabeza de la Virgen. Es característico de Rafael el vestido intensamente rojo de la Virgen, así como el escote en redondo. Los dos niños están en la parte inferior, un poco desplazados hacia la izquierda, lo cual viene compensado por la extensión del pie de la Virgen hacia la derecha. El pequeño san Juan se arrodilla, sosteniendo el bastón crucífero; el Niño, de pie, lo coge.
Esta composición piramidal pone de manifiesto la influencia leonardesca, en particular de la obra Santa Ana con la Virgen y el Niño. Otros rasgos típicamente leonardescos son la cara de la Virgen, el esfumado que se aprecia, por ejemplo, en la espalda del Niño Jesús, y el paisaje del fondo, de tonos azulados y brumosos. Hay, no obstante, algunos elementos que marcan ya una distancia respecto a la obra de Leonardo, como el valor de la línea de contorno.
Rafael - Virgen con niño y san Juanito. También comocido como: "Madonna del Prado o Madonna del Belvedere". 1505-1506. Óleo sobre tabla. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria. Obra de Rafael Sanzio de Urbino
Brueghel el Viejo. La torre de Babel, es una pintura de Pieter Brueghel el Viejo, actualmente localizada en el Kunsthistorisches Museum de Viena (Museo de Historia del Arte de Viena), el Kunsthistorisches, en Viena, Austria. Se trata de un óleo sobre madera de roble con unas dimensiones de 114 cm. de alto y 154 cm. de ancho. Fue ejecutada en el año 1563.
Su tema es la construcción de la torre de Babel que, según la Biblia, fue una torre construida por la Humanidad para alcanzar el cielo. Según el Génesis, Yahvé confundió la lengua de los hombres, lo que les llevó a dejar la torre inacabada y a que se marcharan en todas direcciones.
Es un tema que ya había sido tratado con anterioridad, desde los libros iluminados del siglo VI. Se retoma en el siglo XVI como símbolo del orgullo humano, advirtiendo de sus peligros, así como del fracaso de la racionalidad clásica frente a lo divino. Es así una alegoría del orgulloso imperio internacional de los Habsburgo basado sobre una fe unificada y del estado constituido por banqueros, ministros, clérigos, soldados y pensadores humanistas sicofantes sometidos a tal proyecto. El centro del cuadro lo domina la torre a medio construir, dentro de un amplio paisaje panorámico. El pintor adopta un punto de vista muy alto. En la parte superior de la torre, la presencia de una nube simboliza la pretensión de que querían alcanzar con ella el cielo.
La descripción de la arquitectura de la torre por Brueghel, con sus numerosos arcos y otros ejemplos de ingeniería romana hacen pensar de manera deliberada en el Coliseo que representaba para los cristianos de la época el símbolo de la desmesura y de la persecución. De la Arquitectura de la Antigua Roma parece también provenir la mampostería de ladrillo, recubierta en el exterior por muros de sillería.
Es interesante constatar que la pintura de Brueghel parece atribuir el fracaso de la construcción a problemas de ingeniería estructural más que a diferencias lingüísticas de origen divino. Aunque a primera vista la torre parece constituida por una serie establece de cilindros concéntricos, un examen más atento demuestra la evidencia que algún piso no reposa sobre una verdadera horizontal; la torre está más bien construida como una espiral ascendente. Los arcos son sin embargo construidos perpendicularmente al suelo inclinado, lo que los hace inestables, algunos ya se aplastaron. Más inquietante puede ser el hecho de que los cimientos y los pisos inferiores de la torre aún no está acabados mientras que las capas superiores ya están construidas.
El autor pintó otra obra con el mismo tema, La pequeña torre de Babel, hacia el año 1563, la cual se encuentra en el Museo Boymans-van Beuningen en Rótterdam.
Curiosidades. La pintura inspiró la cubierta, menú principal y película de presentación del juego de ordenador Civilization 3. Debido al gran parecido existente, se cree que la organización de Minas Tirith en la película El Señor de los Anillos: el retorno del Rey se hizo inspirándose en esta obra de arte.
Brueghel el Viejo. El combate entre don carnaval y doña cuaresma, es una obra del pintor flamenco Pieter Brueghel el Viejo. Es un óleo sobre tabla, pintado en el año 1559. Mide 118 cm. de alto y 164 cm. de ancho. Se exhibe actualmente en el Museo de Historia del Arte de Viena de Viena, Austria. Este cuadro forma parte de una serie sobre escenas campesinas, todas ellas tienen características comunes que las permire diferenciar de otras series sin confusión alguna. Esto se debe a su particular pincelada que ensalza la diagonal a diferencia de las otras en las que la pinzelada es más gruesa e imprecisa. Éste cuadro en particular está representado por personajes tomados del natural mientras celebran un acontecimiento. Recurre aquí a un carnaval representado por la clase rural. La idea esta tomada de un tema típico del teatro de la época: presentar el contraste entre dos aspectos de la vida contemporánea, tal como puede verse por la aparición de una posada en el lado izquiedo, para el goce, y la iglesia a la derecha, para la devoción. Se parodia, por un lado, a los que celebran el carnaval y, por otro, a los devotos que cumplen la cuaresma.
La agitada escena representa a la derecha a unos niños que se están comportando correctamente, cerca de la iglesia, reconocible por su arquitectura en arco y su símbolo de Trinidad. A la izquierda queda una posada con un barco en la bandera, y la escena de bebedores de cerveza. El carnaval parece estar representado por el hombre que está encima del barril de cerveza, que lleva por sombrero un pastel y en vez de una lanza, blande un espetón. Le combate la cuaresma, simbolizada por la delgada mujer que se sienta sobre un reclinatorio, del que tiran un monje y una monja; lleva por sombrero una colmena, símbolo de la miel de la cuaresma, y lo que porta en lugar de lanza es una pala con dos arenques.
En una olla pueden verse alimentos típicos de la cuaresma: mejillones, galletas saladas y pretzels. En la parte superior aparece una casa amarilla al lado derecho y una serie de casas rojas a la parte izquierda.
El conjunto de la gente se reúne sobre una gran plaza. El pintor utiliza muchos colores diferentes para representarlos, lo que da contraste a la tela. La luz parece concentrarse en el centro, captando la atención del público. En el centro está el pozo, en el que se reúnen diversas partes de la comunidad (abajo a la derecha en torno a una mujer vestida de azul, abajo a la izquierda alrededor de un barril; a la izquierda los malabaristas y bailarines, así como un mostrador con pescados y dos carrozas que compiten.
Hay varios grupos de religiosos. Los de la derecha, delante de la iglesia, vuelven la espalda a la plaza, como si quisieran salir del cuadro. Sólo dos monjas están en el lado contrario. Los que quedan a la izquierda de la iglesia siguen esa dirección, volviendo la cabeza, sin ser atraídos por la fiesta.
Brueghel el Viejo. Los cazadores en la nieve (en neerlandés, es una obra del pintor flamenco Pieter Brueghel el Viejo, perteneciente al ciclo de seis obras sobre los «Meses» del año. Representa el invierno o los meses de diciembre y enero. Es un óleo sobre tabla, pintado en el año 1565. Mide 117 cm de alto y 162 cm de ancho. Se exhibe actualmente en el Museo de Historia del Arte de Viena, Austria, con el título alemán: Jäger im Schnee.
Desde un primer plano muy elevado se lleva la mirada por un terreno abrupto. Por la izquierda del cuadro aparecen los cazadores, vueltos de espalda, seguidos por la jauría de perros. Entre ellos, las siluetas negras de los árboles van trazando una diagonal que lleva hacia el amplio paisaje que se abre ante ellos. Esa diagonal es el eje dominante de la pintura. Predomina el blanco de la nieve. Sobre dos lagos helados, se practican juegos invernales. El cielo es plomizo.
De esta misma serie sobre los meses quedan otras cuatro pinturas, todas ellas del año 1565: Día nublado (febrero-marzo), Museo de Historia del Arte de Viena; Cosecha de heno (junio-julio), Museo Nacional, Praga; Los cosechadores (agosto-septiembre), Museo Metropolitano de Arte, Nueva York y El regreso de la manada (octubre-noviembre), Museo de Historia del Arte de Viena.
La boda campesina, c. 1566 - 1569. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria
Brueghel el Viejo. Baile de labriegos. 1568. Óleo sobre madera de roble. 114 x 164 cm. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria
Brueghel el Viejo. Día sombrío. 1565. Óleo sobre madera de roble. 118 x 163 cm. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria
Brueghel el Viejo. El labriego y el ladrón de pájaros. 1568. Tabla. 59 x 68 cm. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria
Brueghel el Viejo. Juegos infantiles. 1560. Oil on oak panel. 118 x 161 cm. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria
Brueghel el Viejo. La conversión de San Pablo. 1567. Óleo sobre madera de roble. 108 x 156 cm. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria
Brueghel el Viejo. La cosecha del trigo. 1565. Óleo sobre tela. 118 x 163 cm. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria
Brueghel el Viejo. La matanza de los niños inocentes. 1566. Óleo sobre tabla.116 x 160 cm. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria
Brueghel el Viejo. Regreso del ganado. 1565. Óleo sobre madera de roble. 117 x 159 cm. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria
Velázquez. La Infanta Margarita en azul. 1659. Óleo sobre lienzo - Barroco, 127 cm. × 107 cm. Kunsthistorisches Museum de Viena. Este retrato de la Infanta Margarita en azul (o Infanta Margarita Teresa con vestido azul), es uno de los más conocidos del pintor español Diego Rodríguez de Silva y Velázquez. Está realizado al óleo sobre lienzo. Mide 127 cm de alto y 107 cm de ancho. Fue pintado en 1659, un año antes de la muerte del artista. Se encuentra actualmente en el Kunsthistorisches, esto es, el Museo de Historia del Arte de Viena, Austria.
Este es uno de los numerosos retratos de corte que ejecutó Velázquez, quien pintó en otras ocasiones a la Infanta Margarita, casada a los quince años con su tío, Leopoldo I de Habsburgo, emperador de Austria. Es la joven infanta que aparece, entre otros, en Las Meninas (1656) e Infanta Margarita (1659). Los cuadros que se iban pintando de ella la muestran en diversas etapas de su niñez y adolescencia, y a través de ellos se informaba a Leopoldo de cuál era el aspecto de Margarita y cómo iba madurando, razón por la cual se enviaban a Viena.
Velázquez emplea en este cuadro la técnica de pinceladas sueltas que provocan efectos luminosos. La infanta, aquí de ocho años de edad, aparece con rostro serio con expresión poco amigable, tal vez por timidez, como evidenciaría el sonrojo de las mejillas. El pelo lo tiene recogido con hojas de laurel. Alarga los brazos para tocar con gracia en vestido; en una de las manos sostiene una pelliza de color marrón. Viste la infanta un traje azul oscuro y plateado, con galones de oro y una gruesa cadena o banda dorada cruzándole el pecho. Los destellos metálicos del vestidos potencian la luz de la obra. El fondo también es sombrío, con algunos objetos apenas esbozados.
Velázquez. El príncipe Felipe Próspero, 1659. Óleo sobre lienzo - Barroco, 128,5 cm. × 99,5 cm. Kunsthistorisches Museum de Viena (Museo de Historia del Arte de Viena). El príncipe Felipe Próspero, es un cuadro de Diego Velázquez (Sevilla, 6 de junio de 1599 – Madrid, 6 de agosto de 1660), el pintor más destacado del Siglo de Oro español.
El protagonista del lienzo, Felipe Próspero de Austria, nacido como Felipe Próspero José Francisco Domingo Ignacio Antonio Buenaventura Diego Miguel Luis Alfonso Isidro Ramón Víctor de Austria (Madrid, 20 de noviembre de 1657 - ibídem, 1 de noviembre de 1661). Príncipe de Asturias, fue el tercer hijo y primer varón del matrimonio formado por Felipe IV de España y Mariana de Austria y pese a morir a muy corta edad llegó a ser nombrado príncipe.
En este retrato, el infante apoya su brazo derecho sobre un sillón, provocando compasión en vez de otorgarle majestuosidad, ya que su salud era precaria como lo demuestran los amuletos que porta.Sobre el sillón observamos a un perrillo faldero, cuya mirada acuosa acentúa la melancolía de la escena. Este can es uno de los mejores trozos de pintura ejecutados por el maestro Velázquez. La figura se ubica en una habitación, apreciándose al fondo una ventana por la que entra un rayo de luz. A la derecha se puede observar un taburete con un cojín sobre el que se coloca el sombrero. Predominan los tonos rojos en la obra y los tonos negros acrecentan el contraste entre los otros colores.
Velázquez. La infanta María Teresa de España o retrato de la infanta María Teresa a los catorce años, 1652. Óleo sobre lienzo - Barroco, 127 cm. × 98,5 cm. Kunsthistorisches Museum de Viena. La infanta María Teresa de España, o también conocido como La infanta María Teresa a los catorce años es un cuadro del genio español Don Diego Velázquez, el pintor más destacado del Siglo de Oro español. La protagonista del retrato, María Teresa de Austria, (en francés: Marie-Thérèse d'Autriche) (10 de septiembre de 1638, El Escorial, España – 30 de julio de 1683, Versalles, Francia), Infanta de España y Reina consorte de Francia. Hija del rey Felipe IV de España y de Isabel de Francia, era por parte de madre nieta del rey Enrique IV de Francia. En junio de 1660 contrajo matrimonio con Luis XIV de Francia, el llamado Rey Sol, primo-hermano suyo tanto por parte de padre como de madre.
La obra de Diego Velázquez "La Infanta Margarita en azul". Está considerada una de las obras de más nivel del pintor junto con algunas otras realizadas en sus últimos años de existencia. La infanta observa con actitud majestuosa. La figura aparece fuertemente iluminada en contraste con el oscuro fondo. La aparición de dos relojes portados por la infanta representan la seriedad y formalidad de la misma. El pañuelo que sostiene en la mano izquierda és uno de los elementos a destacar de la obra. El traje contrasta en colores respecto a la cortina. La obra fue recortada por su parte inferior y superior.
Velázquez. Don Baltasar Carlos. 1638-41. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria
Velázquez. Felipe IV. 1632. Óleo sobre lienzo. 127,5 x 86,5 cm. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria
Velázquez. Isabel de Borbón. 1632. Óleo sobre lienzo. 132 x 101,5 cm. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria
Bartholomeus Spranger. Autorretrato, c. 1580. Kunsthistorisches Museum de Viena
Bartholomeus Spranger. Vulcan and Maia. 1575-80. Oil on copper. 23 x 18 cm. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria
Bartholomeus Spranger. Venus and Adonis. Óleo sobre lienzo. 163 x 104,3 cm. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria
Bartholomeus Spranger. Venus en la forja de Vulcano. 1610. Oil on canvas, 95 x 140 cm. Kunsthistorisches Museum de Vienna, Austria
Bartholomeus Spranger. Hércules y Onfalia, c. 1600. Kunsthistorisches Museum, Viena
Bartholomeus Spranger. La ninfa Salmacis y Hermafrodito, c. 1585. Kunsthistorisches Museum, Viena
Museo de Historia del Arte de Viena.
Escalera de entrada al Kunsthistorisches Museum de Viena con la gran escultura de Teseo y el Centauro de Cánova
Durero. Adoración de la Santísima Trinidad o Retablo de Todos los SantosEl Retablo de Todos los Santos (en alemán, Allerheiligenbild) es una obra del pintor alemán Alberto Durero (Albrecht Dürer). Está pintado al temple y óleo sobre madera, y fue ejecutado en el año 1511. Esta Adoración de la Santísima Trinidad mide 135 cm de alto y 123 cm de ancho. Se exhibe actualmente en el Museo de Historia del Arte de Viena, Austria.
Se trata de un cuadro encargado por Matthäus Landauer, ejecutado por Durero a la vuelta de su segundo viaje a Venecia. Existe un dibujo preparatorio en el Museo Condé de Chantilly, datada del año 1508, lo que hace pensar que ya había sido contratada por entonces. Tuvo como destino la capilla de Todos los Santos, en Núremberg, que formaba parte del «Hogar de los Doce Hermanos», fundado en 1501, centro de acogida de artesanos arruinados. El marco original se encuentra en el Museo Nacional Germano.
Lo mismo que el Martirio de los diez mil (1508), ejecutado en la misma época, esta Adoración de la Trinidad, basa su composición en la multiplicación de personajes, así como en una construcción esférica -copernicana- del espacio.
La obra se articula en dos planos. En el superior, en una figura de óvalo cuya parte de arriba está marcada por la propia forma del retablo, ocupan el centro, de arriba abajo, el Espíritu santo (una paloma), Dios Padre formidable y Jesucristo crucificado. La figuras son trazadas con monumentalidad. Tanto a su alrededor, como abajo, en formación ligeramente curvada, se encuentran todos los santos en adoración: reyes, cardenales, mártires, héroes y profetas flotan sobre un paisaje de vista panorámica. Esta composición «sintetiza de manera sublime el cielo y la tierra» (Pijoán), confiriéndole un «carácter visionario anunciador de Altdorfer, Bruegel, Tintoretto y los Maestros del Barroco», aunque no supone un progreso en la técnica de Durero (Zumthor).
La composición recuerda a La disputa del Sacramento de Rafael que se encuentra en la Stanza della Segnatura del Vaticano, obra que Durero no pudo conocer, dada la fecha en que se comenzó. En realidad, esta interacción entre elementos circulares y geométricos que se ve en ambas obras no es más que una forma «clásica» a la que tendía toda la pintura de la época, partiendo de la pintura renacentista italiana.
Durero. El martirio de los diez mil cristianos, 1508, Óleo, 99 × 87 cm. Kunsthistorisches Museum de Viena. El martirio de los diez mil cristianos (conocido en alemán, como Marter der zehntausend Christen) es un cuadro del pintor alemán Alberto Durero (Albrecht Dürer). Fue realizado en 1508. Es una pintura al óleo sobre lienzo, que mide 99 cm de alto y 87 cm de ancho cada tabla. Se conserva en el Museo de Historia del Arte de Viena, Austria.
Federico el Sabio encargó esta obra para la habitación en que conservaba supuestas reliquias de los diez mil mártires en Wittenberg. El cuadro al principio da la impresión de un álbum ilustrado con un desorden de figuras vestidas y desnudas. También el paisaje con formas de árboles retorcidas y una vegetación semejante a la jungla, es inusual en Durero.
En cuando a cuáles sean esos diez mil mártires representados, ha de señalarse que puede referirse a dos episodios distintos del martirologio romano. El 18 de marzo se celebra la muerte en Nicomedia de diez mil mártires como consecuencia de la persecución de Diocleciano. Su origen está en un antiguo martirologio griego, traducido por el cardenal Sirleto (1514-1585) y publicado por Henricus Canisius. Hay un segundo grupo de 10.000 mártires. El 22 de junio se conmemora la muerte de diez mil soldados crucificados por el rey persa Sapor II en el monte Ararat en tiempos de los empresadores romanos Adriano y Antonino Pío. El origen se encuentra en una leyenda que se dice que se tradujo de un original griego hoy desconocido por Anastasio el Bibliotecario en el siglo IX. La obra de Durero parece referirse a esta segunda leyenda, por haber elementos orientalizantes en los verdugos, y no romanos.
Aparecen en el cuadro alrededor de 140 figuras, algo muy infrecuente en Durero, cuyas composiciones tenían un número muy inferior de personajes. Estas personas se ven sometidas a diversas formas de tortura y ejecución. En una zona montañosa, los persas arrojan a los cristianos al vacío. En otro lugar, matan a un cristiano clavándole una estaca en el cuerpo. En la parte delantera izquierda se ve que otro va a ser ejecutado cortándole la cabeza con una cimitarra.
Destaca, en el centro de la composición, el autorretrato de Durero, que lleva en las manos una especie de pancarta que es en realidad un cartellino en el que firmó y fechó la obra: «Esta obra fue realizada en el año 1508 por Alberto Durero, Alemán». Se ha identificado a su acompañante como el humanista Conrad Celtis, transmitiendo así la idea de igualdad entre el arte pictórico y la actividad intelectual de pensadores como Celtis.
Durero. Retrato de una joven veneciana, es un cuadro del pintor alemán Alberto Durero (Albrecht Dürer). Es un óleo sobre tabla, pintado en 1505. Mide 35 cm. de alto y 26 cm. de ancho. Se exhibe actualmente en el Museo de Historia del Arte de Viena, Austria.
Es un retrato en el que la modelo se orienta de derecha a izquierda, a diferencia de lo que ocurre en los Autorretratos de Durero de 1493 y el de 1498, más relacionado estilísticamente con éste, pues refleja la influencia del viaje a Italia de Durero. Muestra el autor el mayor dominio y libertad que representó para él la trascendental experiencia veneciana. Parece inacabado, pero aún así tiene una delicadeza y valor tonal evocadores de Carpaccio.
Como en su Autorretrato «cristológico» de 1500, nada distrae de la figura representada, que está pintada sobre un fondo negro. El dibujo es preciso. El colorido es reducido: la gama de amarillos, marrones, ocres, pero en sutiles matices logrados por las finas veladuras del óleo.
Durero. El emperador Maximilian I. 1519. Óleo sobre tabla. 74 x 61,5 cm. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria
El Bosco. Cristo con la Cruz a cuestas o Cristo llevenado la cruz, es un cuadro del pintor flamenco El Bosco, ejecutado al óleo sobre tabla y que mide 57 centímetros de alto por 32 cm. de ancho. Se encuentra en el Museo de Historia del Arte (Kunsthistorisches) de Viena (Austria).
Este cuadro se ha datado del periodo 1490-1500. Actualmente se cree que esta obra fue realizada hacia 1500.
La tabla, en principio, era más grande, pero fue cortada en unos 20 centímetros por arriba y 2,5 en el borde inferior. Sería la parte izquierda de un tríptico, siendo las otras partes un Calvario (panel central) y un Entierro de Cristo, Descendimiento de la cruz o la Piedad (postigo derecho).
Hay, al menos, otras dos versiones del tema de Cristo con la Cruz a cuestas, realizadas por El Bosco, una del periodo 1515-1516 en el Museo de Bellas Artes de Gante, que mide 74 × 81 cm; y otra que data de 1498 o después y se encuentra en el Monasterio de San Lorenzo del Escorial (Madrid), que es mucho mayor que las otras dos (150 x 94 cm). Son obras en las que El Bosco testimonia la brutalidad de las multitudes.
Se representa en esta pintura de tema religioso la Subida al Calvario. La mitad superior está dominada por la figura de Jesucristo, que se encamina hacia el Gólgota llevando la cruz a cuestas. Le rodea una masa bestial y grotesca que vocifera. Hay un hombre, vestido con una túnica rosa, inmediatamente delante del Señor, que le está azotando. Entre las cabezas se ve un escudo con un sapo, símbolo de la herejía y también de la lujuria.
En la parte inferior están representados los dos ladrones que, según el evangelio de San Mateo fueron crucificados al mismo tiempo que Jesús de Nazaret. A la derecha, el Buen Ladrón, confesándose con un fraile antes de su ejecución. La cruz de éste está hecha de un tronco de un árbol. En la parte inferior izquierda está el mal ladrón, acompañado por un personaje bufo que viste un manto rojo y está tocado por un gorro negro. Este mal ladrón está increpando a los verdugos.
El estilo recuerda más a la pintura alemana que a la holandesa de la época. Representa la soledad que Jesucristo que, conforme a la Devotio moderna, se quedaba solo en el camino del sacrificio hacia la salvación.
La obra presenta un cromatismo diverso, con colores cálidos como el rojo de los verdugos y fríos como el azul de la túnica de Jesucristo.En la parte exterior de esta tabla aparece un Niño jugando con un aro, que podría aludir a Jesús Niño.
Vermer. El arte de la pintura (Alegoría de la pintura), también conocido como El pintor en su taller, es una famosa obra del pintor holandés Johannes Vermeer, quien hubo de pintarla hacia 1666. Está realizada al óleo sobre lienzo y mide 120 cm. de alto y 100 cm. de ancho, por lo que es la obra más grande dentro de la producción conocida de este artista. Se conserva en el Museo de Historia del Arte de Viena, Austria, donde ha estado expuesta desde que fue recibida por el gobierno austriaco en 1946. En neerlandés es conocido como De Schilderkunst o Allegorie op de schilderkunst. Este cuadro también es conocido con el título de El estudio del artista.
Muchos expertos de arte creen que la obra de arte es una alegoría de la pintura, de ahí el título alternativo de este cuadro. Es el más grande y complejo de los cuadros de Vermeer.
La pintura es famosa por ser una de las favoritas de Vermeer, y un buen ejemplo del estilo óptico de pintura. Creado en una época sin fotografía, ofrece una representación visual realista de la escena y es un buen ejemplo del estilo de la cámara oscura. Otros puntos fuertes de la obra son: el uso de colores brillantes y el impacto de la luz filtrándose por las ventanas sobre varios elementos de la pintura.
El cuadro se considera una pieza esencial en el catálogo de Vermeer porque el propio pintor no se separó de él ni lo vendió, ni siquiera cuando tuvo deudas. Incluso después de su muerte en 1676, su viuda Catharina lo legó a su madre, Maria Thins, en un intento de evitar su venta forzosa para satisfacer a los acreedores. El ejecutor de la herencia de Vermeer, el afamado microscopista de Delft, Anton van Leeuwenhoek, determinó que la transmisión de la obra a la suegra del pintor fue ilegal.
La pintura permaneció sin descubrir durante un siglo hasta su compra por 50 florines en 1813 por el conde austriaco, Johann Rudolf Czernin. Hasta 1860, la pintura pasó como obra de un archirrival contemporáneo de Vermeer, Pieter de Hooch. La firma de Pieter incluso se falsificó sobre la pintura. Sólo por la intervención del erudito francés experto en Vermeer, Thoré Bürger se reconoció como un original de Vermeer y de ahí comenzó su fama. El cuadro fue exhibido públicamente en Viena por la familia Czernin hasta la invasión de Austria por los nazis en 1939.
Después de la invasión nazi de Austria, altos oficiales nazis, incluido el Reichsmarschall Hermann Goering intentaron adquirir el cuadro. El conde Jaromir Czernin tenía previsto venderlo a otra persona, pero presionado por Adolf Hitler accedió a ofrecérselo por 2 millones de reichsmarks con destino al gran museo que Hitler pensaba erigir en Linz. Según alegan ahora los descendientes del conde, finalmente el precio pagado fue inferior ya que los alemanes amenazaron al propietario con enviarle a un campo de concentración. Algunas fuentes sitúan el precio en 1,65 millones, que fue pagado a través del agente Hans Posse el 20 de noviembre de 1940.
El cuadro fue rescatado de una mina de sal a finales de la Segunda Guerra Mundial en 1945, donde estaba protegido de los bombardeos aliados, con otras obras de arte. Los estadounidenses devolvieron la pintura al gobierno austriaco en 1946, puesto que se estimaba que la familia Czernin lo vendió voluntariamente, sin fuerza indebida por parte de Hitler. Pero en septiembre de 2009, los Czernin alegan que la venta fue forzosa, y reclaman una resolución justa del asunto. Según la página web del periódico español El Mundo, las autoridades austríacas estudiarán cómo actuar. La pintura representa una escena íntima de un pintor pintando a un modelo femenino en su estudio, junto a una ventana, con el fondo de un gran mapa de los Países Bajos...
Giuseppe Arcimboldo. El verano. 1563. Óleo sobre lienzo. 67 x 50,8 cm. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria
Giuseppe Arcimboldo, (también escrito Arcimboldi; Milán 1527 - íbidem; 11 de julio de 1593), fue un pintor italiano, conocido sobre todo por sus representaciones manieristas del rostro humano a partir de flores, frutas, plantas, animales u objetos; esto es, pintaba representaciones de estos objetos en el lienzo, colocados de tal manera que todo el conjunto tenía una semejanza reconocible con el sujeto retratado. Entre sus obras destacadas están las series de las Estaciones o de los Elementos (1563, 1566, Viena, Kunsthistorisches y Louvre).
Giuseppe Arcimboldo. El agua. 1566. Óleo sobre tabla. 66,5 x 50,5 cm. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria.
Giuseppe Arcimboldo. El fuego. 1566. Óleo sobre tabla. 66,5 x 51 cm. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria
Giuseppe Arcimboldo. El invierno. 1563. Óleo sobre tabla. 66,6 x 50,5 cm. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria
Giuseppe Arcimboldo. El aire. 1566. Óleo sobre tabla. 66,5 x 51 cm. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria
Luca Giordano. Il Gusto. Óleo sobre lienzo. 232 x 269 cm. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria
Luca Giordano. Sposalizio della Vergine. Óleo sobre tela. 206 x 187 cm. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria
Luca Giordano. The Fall of the Rebel Angels. 1666. Óleo sobre lienzo. 419 x 283 cm. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria
Luca Giordano. Trasporto dell'Arca santa. Óleo sobre tela. 76 x 63 cm. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria
Luca Giordano. Visitazione. Óleo sobre tela. 206 x 187 cm. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria
Tintoretto. Caballero con armadura. 1560. Óleo sobre lienzo. 116 x 98 cm. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria
Tintoretto. San Nicolás. Óleo sobre lienzo. 114 x 56 cm. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria
Tiziano. Gyspsy Madonna, c. 1510. Óleo sobre lienzo. 65.5 × 83.5 cm. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria
Tiziano. Retrato de Isabella d'Este. 1534-1536. Óleo sobre lienzo. 102 x 64. cm. Kunsthistorisches Museum. Viena
Tiziano. Retrato de Jacopo Strada. 1568. Óleo sobre lienzo. 125 x 95 cm. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria
Caravaggio. Cristo coronado de espinas. 1603. Óleo sobre lienzo. 127 x 165,5 cm. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria
Caravaggio. David con la cabeza de Goliath. 1607. Óleo sobre lienzo. 90,5 x 116,5 cm. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria
Caravaggio. La Virgen del Rosario. 1605-1607. Óleo sobre lienzo. 364 x 249 cm. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria
Van Dyck. Blessed Joseph Hermann. 1629. Kunsthistorisches Museum. Viena
Van Dyck. Portrait of a Young General. 1622-1627. Óleo sobre lienzo. 115,5 x 104 cm. Kunsthistorisches Museum. Viena
Van Eyck. Retrato del Cardenal Nicola Albergati. 0431-32. Panel. 34,1 x 27,3 cm. Kunsthistorisches Museum. Viena
Andrea del Sarto. Lamentation of Christ. 1520. Óleo sobre tabla. 99 x 120 cm. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria
Bernardo Bellotto. View of Vienna from the Belvedere. 1759-1760. Óleo sobre lienzo. 135 x 213 cm. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria
Canaletto. La punta de la aduana. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria
Corot - (Jean-Baptiste-Camille Corot). Portrait of Madame Legois. 1838. Óleo sobre lienzo. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria
Guido Cagnacci. The Death of Cleopatra. 1660. Canvas. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria
Gerard David. Altarpiece of St Michael. Óleo sobre tabla. 66 x 53 cm. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria
Lucas Cranach el Viejo. Judith con la cabeza de Holofernes. 1530. Kunsthistorisches Museum. Viena
Andrea Mantegna. San Sebastián. 1459. Temple sobre tabla. 68 x 30 cm. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria
Antonio Allegri (il Correggio) Júpiter e Io. 1531. Óleo sobre lienzo. 163,5 x 70,5 cm. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria
Antonello da Messina. Sacra Conversazione. 1475-1476. Óleo sobre tabla. 115 x 133 cm. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria
Juan Martínez del Mazo. La familia del artista. 1660-1665. Óleo sobre lienzo. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria
Antonio de Pereda. Alegoría de la vanidad, 1632-36. Óleo sobre lienzo. 139,5 x 174 cm. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria
Bartolomé González. La Reina Doña Margarita de Austria. Óleo sobre lienzo. 192 x 120 cm. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria
Pantoja de la Cruz. El Infante Don Felipe con armadura. 1594. Óleo sobre lienzo. 150 x 174 cm. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria
Hans Holbein el Joven. Portrait of Dirck Tybis. 1533. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria
Fra Bartolommeo. Maria mit Kind. c. 1515. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria
Fra Bartolommeo. Escena con Cristo en el templo (The Scene of Christ in the Temple). 1516. Tabla. 156 x 159 cm. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria
Gustav Klimt. Auditorium in the Old Burgtheater, Vienna. 1888. Gouache on paper. Kunsthistorisches Museum. Viena
Gustav Klimt. Idiylle. 1884. Óleo sobre lienzo. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria
Jacopo Bassano (Giacomo dal Ponte I). The Three Magi. 1562. Óleo sobre lienzo. 92,3 x 117,5 cm. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria
Mengs - (Anton Raphael Mengs) Maria Luisa di Borbone da fidanzata. 1764. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria
Rembrandt. Pequeño autorretrato. 1656-1658. Óleo sobre lienzo. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria
Renoir. Bather. 1903. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria
Sebastiano del Piombo. Ritratto del cardinale Rodolfo Pio da Carpi. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria
Van der Weyden. Tríptico de la Crucifixión. Panel central. 1440. Oak, 101 x 70 cm. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria
Teseo y el Centauro, c. 1805-19. Obra de Antonio Cánova, se conserva en el Kunsthistorisches Museum de Viena.
Escalera de entrada al Kunsthistorisches Museum de Viena con la gran escultura de Teseo y el Centauro de Cánova
Enlaces interesantes para ver más obras del Kunsthistorisches Museum, Wien
https://commons.wikimedia.org/wiki/Cate ... hes_Museum
Museo de Historia del Arte de Viena (Kunsthistorisches Museum) en la Plaza de María Teresa de Viena (Austria).
La ciudad de Viena, Corte imperial y capital de Austria, es la sede del Kunsthistorisches Museum o Museo de la Historia del Arte. El museo se encuentra al este de la ciudad y es uno de los más importantes de todo el mundo. Sus fondos se organizan en diferentes salas que pretenden mostrar de manera didáctica las colecciones; las principales salas están dedicadas a la cultura egipcia, antigüedades, numismática y, sobre todo, galería de pinturas. En ésta última se incluyen obras de todos los maestros europeos. Hay muchas pinturas, aunque bastantes aparecen en deficiente estado de conservación. Entre los pintores de mayor fama representados se cuentan Rogier van der Weyden, Rafael, Holbein, Tiziano, Brueghel, Caravaggio (con la Madonna del Rosario), Rembrandt, Vermeer de Delft y un largo etcétera. Entre sus joyas de orfebrería podemos resaltar que el Kunsthistorisches posee el maravilloso salero diseñado por Benvenuto Cellini, que ha sido puesto en relación con algunas piezas del Tesoro del Delfín del Museo del Prado.
Pues esto es todo amigos, espero que os haya gustado el trabajo recopilatorio dedicado al museo Kunsthistorisches Museum (en alemán), castellanizado sería el Museo de Historia del Arte de Viena (Austria), ubicado en el palacio de la Ringstraße, coronada con una cúpula octogonal, es uno de los primeros museos de bellas artes y artes decorativas del mundo.